A forma meghatározása az Art

A kifejezés forma több különböző dolgot jelenthet a művészetben. Forma egyike a hétnek a művészet elemei és háromdimenziós objektumot jelent az űrben. A formális elemzés egy műalkotás egy része leírja, hogy a mű alkotásainak elemei és alapelvei, függetlenül azok jelentésétől és az érzésektől vagy gondolatoktól, amelyeket a nézőben felidézhetnek. Végül, forma a mű fizikai természetének leírására is használják, például fémszobrászatban, olajfestményben stb.

A szóval együtt használva Művészet mint a művészeti formajelentheti a képzőművészetnek elismert művészi kifejezés médiumát vagy egy olyan nem szokásos médiumot, amelyet olyan jól, adroit módon vagy kreatívan végeznek, hogy emelik a képzőművészet szintjére.

A forma a művészet hét elemének egyike, amelyek azok a vizuális eszközök, amelyeket a művész műalkotás készítéséhez használ. Ezen túlmenően a formáláshoz tartalmaznak sort, alak, érték, szín, struktúraés hely. Mint a művészet eleme, forma jelent valamit, ami háromdimenziós, és körülhatárolja a térfogatot, hossza, szélessége és magassága szemben

Geometriai formák matematikai, pontos és megnevezhető formák, mint az alapvető geometriai formákban: gömb, kocka, piramis, kúp és henger. A kör három dimenzióban gömbré válik, egy négyzet kockavá válik, egy háromszög piramismá vagy kúpmá válik.

A geometriai formákat leggyakrabban az építészetben és az épített környezetben találják meg, bár Ön is tudja találja meg őket a bolygók és a buborékok szférájában és a hópelyhek kristálymintájában példa.

Szerves formák azok, amelyek szabadon áramlóak, kanyargósak, szinuszosak, és nem szimmetrikusak, nem könnyen mérhetők vagy megnevezhetők. Leggyakrabban a természetben fordulnak elő, például virágok, ágak, levelek, pocsolya, felhők, állatok formájában, az emberi alak, stb., de megtalálható a spanyol építész merész és fantáziadús épületeiben is Antoni Gaudi (1852–1926), valamint számos szoborban.

A forma a legszorosabban kapcsolódik a szobrászathoz, mivel ez háromdimenziós művészet, és hagyományosan csaknem elsősorban a formaból állt, a szín és a textúra alárendelve. A háromdimenziós formák több oldalról is láthatók. A formákat hagyományosan minden oldalról meg lehet nézni, szobrászatnak hívják in-the-kör, vagy megkönnyebbülés, amelyekben a faragott elemek szilárd háttérhez kapcsolódnak, beleértve a lapos dombormű, haut-reliefés beesett-relief. A történelmileg szobrot valaki hasonlítással készítették, hős vagy isten tiszteletére.

A huszadik század kibővítette a szobrászat jelentését, ugyanakkor a nyílt és zárt formák fogalmát hirdeti, és a jelentőség ma is bővül. A szobrok már nem csupán reprezentatív, statikus, levélpapírok, szilárd átlátszatlan tömegű alakok, amelyeket kőből faragtak vagy bronzból modelleztek. A szobrászat absztrakt lehet, különféle tárgyaktól összeállítva, kinetikus, idővel megváltozhat, vagy nem szokásos anyagokból, például fényből vagy hologramokból készülhet, mint a neves művész munkájában James Turrell.

A szobrokat relatív módon lehet zárt vagy nyitott formákkal jellemezni. A zárt formában hasonló érzés, mint a szilárd, átlátszatlan tömeg hagyományos formája. Még akkor is, ha terek léteznek a formában, vannak benne és korlátozottak. A zárt forma befelé összpontosít a formára, a környezeti tértől izoláltra. egy nyitott forma átlátszó, felfedi a szerkezetét, ezért folyékonyabb és dinamikusabb kapcsolatban áll a környező térrel. A negatív tér a nyílt formájú szobor egyik fő alkotóeleme és aktiváló ereje. Pablo Picasso (1881–1973), Alexander Calder (1898–1976) és Julio Gonzalez (1876–1942) néhány művész, akik huzalból és más anyagból készült nyílt formájú szobrokat készítettek.

Henry Moore (1898-1866), a nagy angol művész, aki kortársa, Barbara Hepworth (1903-1975) mellett a két legfontosabb A modern művészetben született brit szobrászok mindkettő forradalmasította a szobrot, mivel elsőként átszúrta biomorf alakját (bio = élet, morfikus = forma) szobrok. Ezt 1931-ben, 1932-ben megtette, megjegyezve, hogy „akár tér is kialakulhat”, és hogy „egy lyuknak annyi alakja van, mint egy szilárd tömegnek”.

A rajz és a festés során a háromdimenziós forma illúzióját világítás és árnyékok használata, valamint érték és hang megjelenése közvetíti. A formát egy objektum külső kontúrja határozza meg, így érzékeljük először és kezdjük értelmezni ez, de a fény, az érték és az árnyék segít az objektum formájának és kontextusának a megteremtésében a térben, hogy teljes mértékben azonosulhassunk azt.

Például, ha feltételezzük, hogy egyetlen gömbön van egy fényforrás, akkor a fénypont közvetlenül a fényforrás felé fordul; a középső hang a középső érték azon a gömbön, ahol a fény nem közvetlenül érinti; a központi árnyék a gömb azon része, amelyre a fény egyáltalán nem jut, és a gömb legsötétebb része; az árnyék az a terület a környező felületeken, amelyet az objektum a fénytől elzár; A visszavert fény a fény, amely visszaverődik az objektumra a környező tárgyaktól és felületektől. A világossággal és árnyékolással kapcsolatos ezen iránymutatások alapján bármilyen egyszerű alak rajzolható vagy megfesthető, hogy megteremtse a háromdimenziós forma illúzióját.

Minél nagyobb az kontraszt az értékben, annál hangsúlyosabb lesz a háromdimenziós forma. Azok a formák, amelyeket kis értékváltozással jelenítenek meg, laposabbaknak tűnnek, mint azok, amelyek nagyobb változatossággal és kontrasztmal jelennek meg.

A festészet történelmileg a forma és a tér lapos ábrázolásáról a forma és a tér háromdimenziós ábrázolására, az absztrakcióra fejlődött. Az egyiptomi festmény lapos volt, az emberi forma elülső oldalán, de a feje és a lába profilban volt. A forma valósághű illúziója csak a reneszánszig, a perspektíva felfedezésével együtt jött létre. A barokk művészek, például Caravaggio (1571-1610) feltárták a tér, a fény és a a térbeli háromdimenziós élmény, a chiaroscuro használatával tovább, az ellentét között világos és sötét. Az emberi forma ábrázolása sokkal dinamikusabbá vált, a chiaroscuro és az előretörés hatására a formák szilárdságot és súlyt értek el, és erőteljes drámai érzetet teremtettek. A modernizmus megszabadította a művészeket, hogy absztraktabban játsszanak a formával. Olyan művészek, mint Picasso, aKubizmus, felbontotta az űrlapot, hogy a térben és az időben történő mozgást feltételezze.

A műalkotás elemzésekor a formális elemzés külön van annak tartalmától vagy kontextusától. A formális elemzés azt jelenti, hogy a művészet elemeit és alapelveit alkalmazzák a mű vizuális elemzésére. A formális elemzés feltárhatja azokat a kompozíciós döntéseket, amelyek segítenek megerősíteni a tartalmat, a mű lényegét, jelentését és a művész szándékát, valamint nyomokat adnak a történelmi összefüggésekre vonatkozóan.

Például a rejtély, a félelem és a transzcendencia érzéseit, amelyek a legtartósabbok közül néhányat kiváltják reneszánsz remekművek, például a Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Ádám teremtése (Michelangelo, 1512), a Utolsó vacsora (Leonardo da Vinci, 1498) különbözik a formális kompozíciós elemektől és alapelvektől, például vonal, szín, tér, alak, kontrasztot, hangsúlyt stb., a művész a festmény elkészítéséhez használt, és hozzájárul annak jelentőségéhez, hatásához és időtlenségéhez minőség.

• Forma, Tate Múzeum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• A szobrászat művészete, Művészeti enciklopédia, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Az élet lyuk, Tate Múzeum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth és Henry Moore, CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Antoni Gaudi művei, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Henry Moore Alapítvány, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

• A művészet elemei: forma, fokozat: 3-4, Nemzeti Művészeti Galéria, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• A forma és forma a művészetben: Oktatási program a K-4 osztályok számára, Tanári útmutató, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf