A festészet örömének része a 21. században a kifejezési formák széles választéka. A 19. és 20. század végén a művészek hatalmas ugrásokat hajtottak végre a festési stílusban. Ezen innovációk nagy részét a technológiai fejlődés befolyásolta, mint például a fémfestékcső feltalálása és a fényképezés, valamint a társadalmi konvenciók, a politika és a filozófia változásai, valamint a világ eseményei.
Ez a lista hét fő művészeti stílust vázol fel (amelyeket néha "iskoláknak" vagy "mozgalmaknak" neveznek), amelyek közül néhány sokkal reálisabb, mint mások. Bár nem lesz része az eredeti mozgalomnak - a művészek csoportjának, akik általában ugyanazt osztották meg festési stílus és ötletek a történelem egy adott időszakában - továbbra is festeni lehet az általuk használt stílusokkal. Ha megismeri ezeket a stílusokat, látja, mit hoztak létre az azokban dolgozó művészek, majd saját maga kísérletezik a különböző megközelítésekkel, elkezdi fejleszteni és ápolni saját stílusát.
A realizmus, amelyben a festmény tárgya valójában hasonlít az igazi dolgokra, nem pedig stilizálásra vagy kivonásra, az a stílus, amelyet sokan gondolnak mint "valódi művészet". Csak a közelről vizsgálva derül ki, hogy az egyszínűnek tűnik -, hogy sok színű ecsetvonások sorozata értékeket.
A realizmus a domináns festési stílus a reneszánsz. A művész a perspektíva segítségével tér és mélység illúzióját hozza létre, és a kompozíciót és a világítást úgy állítja be, hogy a téma valódinak tűnik. Leonardo da Vinci's "Mona Lisa"egy klasszikus példa a stílusra.
A Painterly stílus úgy tűnt, mint a Ipari forradalom század első felében Európát söpörte. A fémfesték cső feltalálásával, amely lehetővé tette a művészek számára, hogy kilépjenek a stúdióból, a festők a festészetre koncentráltak. Az alanyokat realisztikusan rendezték el, a festők azonban nem tették meg a szükséges erőfeszítéseket, hogy elrejtsék műszaki munkájukat.
Amint a neve is sugallja, a hangsúly a festésen van: az ecsetkészlet karakterére és a pigmentekre. Az ilyen stílusban dolgozó művészek nem próbálják elrejteni a festmény elkészítéséhez használt eszközöket azáltal, hogy simítják el a festékben maradt textúrákat vagy jeleket ecsettel vagy más eszközzel, például egy palettakéssel. A festményei Henri Matisse kiváló példák erre a stílusra.
Az impresszionizmus az 1880-as években alakult ki Európában, ahol Claude Monethoz hasonló művészek a fényt nem a realizmus részleteivel, hanem gesztus és illúzió révén igyekeztek megragadni. Nem kell túl közel állnia Monet tündérrózsainak vagy Vincent Van Gogh napraforgóinak ahhoz, hogy láthassa a merész színvilágot, azonban nem kétséges, hogy mit néz.
A tárgyak megtartják valósághű megjelenésüket, mégis élénk rájuk, ez a stílus egyedi. Nehéz elhinni, hogy amikor az impresionisták először mutatták be műveiket, a legtöbb kritikus utálta és nevetett. Amit akkoriban befejezetlen és durva festési stílusnak tekintették, az most már szeretett és tisztelt.
Expresszionizmus és fauvizmusban hasonló stílusok, amelyek a stúdiókban és galériákban kezdtek megjelenni a 20. század fordulóján. Mindkettőt olyan merész, irreális színek használata jellemzi, amelyeket úgy választottak, hogy nem az életét a jelenlegi formájában ábrázolják, hanem az, ahogy a művésznek érzi vagy látszik.
A két stílus bizonyos szempontból különbözik. Az expresszionisták, köztük Edvard Munch, a groteszk és a rémület közvetítésére törekedtek a mindennapi életben, gyakran hiper-stilizált kefével és szörnyű képekkel, mint amilyen nagyszerű volt a sajátja során festmény "A Sikoly."
A színészek új színhasználatuk ellenére olyan kompozíciókat készítettek, amelyek idealizált vagy egzotikus természetben ábrázolják az életet. Gondolj Henri Matisse-félelmetes táncosokra vagy George Braque lelkipásztori jeleneteire.
Ahogy a 20. század első évtizedeiben kibontakoztak Európában és Amerikában, a festészet kevésbé volt reális. Az absztrakció a tárgy lényegének a festészetével foglalkozik, ahogy a művész azt értelmezi, nem pedig a látható részletekre. A festő csökkentheti a tárgyat domináns színei, formái vagy mintái szerint, mint például Pablo Picasso a híres három zenész freskójával csinálta. Az előadóművészek, minden éles vonal és szög, nem tűnnek a legkevésbé valódinak, mégsem kétséges, hogy kik ők.
Vagy egy művész eltávolíthatja a tárgyat a kontextusból, vagy kibővítheti skáláját, ahogyan Georgia O'Keeffe tette munkájában. Virágai és kagylói, apró részletük nélkül, elvont háttérrel lebegve, álomszerű tájakhoz hasonlíthatnak.
A tisztán absztrakt munka, akárcsak az 1950-es évek absztrakt expresszionista mozgalma, aktívan elkerüli a realizmust, és a szubjektív ölelésébe támaszkodik. A festmény tárgya vagy pontja a használt színek, a textúrák a műben, és a létrehozásához felhasznált anyagok.
Jackson Pollock cseppfestményei valószínűleg óriási rendetlenségnek tűnnek másoknak, de nem tagadják hogy a falfestmények, például az "1. szám (levendula köd)" dinamikus, kinetikus tulajdonságokkal bírnak, amelyek megőrzik az Ön érdeklődés. Más absztrakt művészek, például Mark Rothko, maguk a színek egyszerűsítették tárgyaikat. A színmező úgy működik, mint az 1961. évi „Narancssárga, piros és sárga” mesterműve: három olyan pigmentblokk, amelyben elveszítheti magát.
A fotorealismus az 1960-as évek végén és a 70-es években alakult ki az absztrakt expresszionizmus reakciójaként, amely az 1940-es évek óta uralta a művészetet. Ez a stílus gyakran valóságosabbnak tűnik, mint a valóság, ahol egyetlen részlet sem marad ki, és egyetlen hiány sem jelentéktelen.
Néhány művész másolja a fényképeket úgy, hogy a vászonra vetíti őket, hogy pontosan rögzítsék a részleteket. Mások szabadkézi, vagy rácsos rendszert használnak egy nyomat vagy fénykép nagyításához. Az egyik legismertebb fotorealisztikus festő a Chuck Close, akinek a művészek és hírességek freskói méretű pillanatképei pillanatfelvételeken alapulnak.