54 Híres festmények, amelyeket híres művészek készítettek

Híres művésznek lenni életében nem garantálja, hogy más művészek emlékezzenek rád. Hallottál Ernest Meissonier francia festőről?

Kortárs volt Edouard Manet-nel és a kritikusok elismerésének és értékesítésének messze sikeresebb művészével. Ez fordítva is igaz, Vincent van Gogh-val. Van Gogh bátyjára, Theo-ra támaszkodott, hogy festéket és vásznat biztosítson számára, ma azonban festményei rekordárakat érnek el, valahányszor egy művészeti aukción kerülnek elő, és ő egy családi név.

A múlt és a jelen híres festményeinek megtekintése sok mindent megtaníthat, beleértve a festék összetételét és kezelését. Bár valószínűleg a legfontosabb tanulság az, hogy végső soron magának kell festenie, nem pedig a piac vagy az utókor számára.

"Éjjeli őrség" - Rembrandt

Az "Éjszakai őrség" festménye Rembrandt benne van a Rijksmuseum Amszterdamban. Amint a fotó mutatja, ez egy hatalmas festmény: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt 1642-ben fejezte be. Igazi címe: "A Frans Banning Cocq és Willem van Ruytenburch társasága", de ismertebb nevén Éjjeli Őrség. (Egy milícia őrségű társaság).

A festmény kompozíciója nagyon eltérő volt az adott időszakban. Rembrandt ahelyett, hogy ügyesen, rendezetten ábrázolja a figurákat, ahol mindenkinek ugyanolyan hangsúlyt és helyet kapott a vásznon, mozgalmas csoportként festette őket akció közben.

1715 körül pajzsot festettek az "Éjszakai őrségre", amely 18 ember nevét tartalmazta, de a nevek közül csak néhányat azonosítottak. (Tehát ne feledje, ha csoportos portrét fest: rajzoljon hátulra egy diagramot, amelyen mindenki jövője szerepelhet generációk tudni fogják!) 2009 márciusában Bas Dudok van Heel holland történész végül feltárta a rejtélyt, hogy ki kicsoda festmény. Kutatása során még találtak olyan ruházati cikkeket és kiegészítőket, amelyeket az "Éjszakai őrség" ábrázol családi birtokok, amelyeket aztán összegyűjtött a különféle milicisták életkorával 1642-ben, abban az évben, amikor a festmény volt elkészült.

Dudok van Heel azt is felfedezte, hogy abban a teremben, ahol először felakasztották Rembrandt "Éjjeli őrségét", hat csoport volt az eredetileg folyamatos sorozatban bemutatott milícia portrék, nem hat külön festmény, mint régen gondolat. Ahelyett, hogy Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart és Flinck hat csoportos portréja töretlen frízt alkotott, egymáshoz illeszkedve és a szoba faburkolatában rögzítve. Vagy ez volt a szándék. Rembrandt "Éjszakai őrzése" sem a kompozícióban, sem a színben nem illik a többi festményhez. Úgy tűnik, Rembrandt nem tartotta be megbízásának feltételeit. De akkor, ha lett volna, soha nem lett volna ilyen feltűnően eltérő 17. századi csoportképünk.

"Nyúl" - Albrecht Dürer

A közönségesen Dürer nyulaként emlegetett festmény hivatalos címe nyúlnak hívja. A festmény állandó gyűjteményében van Batliner Gyűjtemény a Albertina Múzeum Bécsben, Ausztriában.

Akvarell és gouache segítségével festették, a fehér kiemelések gouache-ban készültek (ahelyett, hogy a papír festetlen fehérje lenne).

Látványos példa arra, hogyan festhető prém. Utánzása érdekében a megközelítés attól függ, hogy mennyi türelme van. Ha vannak hullámai, vékony ecsettel fog festeni, egy-egy hajjal. Ellenkező esetben használjon száraz kefe technikát, vagy ossza szét a szőröket egy kefén. A türelem és az állóképesség elengedhetetlen. Túl gyorsan dolgozzon nedves festékre, és az egyes mozdulatok elkeveredhetnek. Ne folytassa elég sokáig, és a szőrzet csupasznak tűnik.

Sixtus-kápolna mennyezeti freskója - Michelangelo

Michelangelo festménye a Sixtus-kápolna mennyezetéről a világ egyik leghíresebb freskója.

A Sixtus-kápolna egy nagy kápolna az Apostoli Palotában, a pápa (a katolikus egyház vezetője) hivatalos rezidenciájában Vatikánban. Sok freskót festett a reneszánsz egyik legnagyobb neve, köztük Bernini és Raphael falfreskói, de mégis Michelangelo mennyezetén található freskókról a leghíresebb.

Michelangelo 1475. március 6-án született és 1564. február 18-án hunyt el. Julius pápa megbízásából Michelangelo dolgozotta Sixtus-kápolna mennyezete 1508 májusától 1512 októberéig (1510 szeptembere és 1511 augusztusa között nem végeztek munkát). A kápolnát 1512. november 1-jén, a Mindenszentek ünnepén avatták fel.

A kápolna 40,23 méter hosszú, 13,40 méter széles, a mennyezet pedig 20,70 méterrel a föld felett van a legmagasabb ponton¹. Michelangelo számos bibliai jelenetet, prófétát és Krisztus őseit festette, valamint trompe l'oeil vagy építészeti jellemzőket. A mennyezet fő területe a Genezis könyvének történeteiből származó történeteket ábrázolja, beleértve az emberiség megteremtését, az ember kegyelemből való bukását, az özönvizet és Noét.

Sixtus-kápolna mennyezete: Részlet

Az ember alkotását bemutató panel valószínűleg a legismertebb jelenet Michelangelo híres freskójában, a Sixtus-kápolna mennyezetén.

A Vatikán Sixtus-kápolnájában számos freskó festett, mégis leginkább Michelangelo mennyezetén található freskókról híres. A vatikáni művészeti szakértők 1980 és 1994 között kiterjedt helyreállítást hajtottak végre, évszázados füstöt eltávolítva a gyertyákból és a korábbi helyreállítási munkákból. Ez sokkal fényesebb színeket tárt fel, mint azt korábban gondolták.

Pigmentek Michelangelo a vörösek és a sárgák számára okkert, a zöldek számára vas-szilikátokat, a kékekért lapis lazulit, a feketéhez szénet használtak.¹ Nem minden van olyan részletesen festve, amilyennek először megjelenik. Például az előtérben lévő ábrák részletesebben vannak festve, mint a háttérben, hozzáadva a mennyezet mélységérzetét.

További információ a Sixtus-kápolnáról:

• Vatikáni Múzeumok: Sixtus-kápolna
• Virtuális túra a Sixtus-kápolnában

Források:
1 Vatikáni Múzeum: A Sixtus-kápolna, Vatikánvárosi állam honlapja, hozzáférés 2010. szeptember 9.

Leonardo da Vinci Jegyzetfüzet

A reneszánsz művész, Leonardo da Vinci nemcsak festményeiről, hanem füzeteiről is híres. Ez a fotó a londoni V&A Múzeum egyikét mutatja be.

A londoni V&A Múzeum gyűjteményében öt Leonardo da Vinci jegyzetfüzet található. Ezt a Codex Forster III néven ismert Leonardo da Vinci használta 1490 és 1493 között, amikor Milánóban dolgozott Ludovico Sforza hercegnél.

Ez egy kicsi jegyzetfüzet, akkora méretű, hogy könnyedén eltarthat egy kabátzsebben. Tele van mindenféle ötlettel, jegyzetekkel és vázlatokkal, beleértve a "ló lábának vázlatait, a kalapok és ruhák, amelyek ötletek lehetnek a bálok jelmezei számára, és beszámoló az emberi anatómiáról fej."¹ Bár a múzeumban nem lehet lapozni a jegyzetfüzetet, az interneten keresztül lapozhat.

A kézírásának olvasása nem könnyű, a kalligrafikus stílus és a tükörírás használata között (hátrafelé, jobbról balra), de egyesek lenyűgözőnek tartják, hogy látják, hogyan rak mindenfélét egybe jegyzetfüzet. Működő jegyzetfüzet, nem bemutató. Ha valaha is aggódna, hogy a kreativitási napló nem volt valahogy helyesen elvégezve vagy szervezve, vegye át a vezetést ettől a mestertől: tegye meg, amire szüksége van.

<sub>Forrás:
1. Fedezze fel a Forster Codices, V&A Múzeumot. (Hozzáférés: 2010. augusztus 8.)</sub>

"A Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciA párizsi Louvre-ban található "Mona Lisa" festmény vitathatatlanul a világ leghíresebb festménye. Valószínűleg ez a legismertebb példa is sfumato, egy festéstechnika részben felelős rejtélyes mosolyáért.

Nagyon sok találgatás történt arról, hogy ki volt a nő a festményen. Úgy gondolják, hogy Lisa Gherardini, a firenzei Francesco del Giocondo nevű szövetkereskedő feleségének portréja. (Vasari a 16. századi művészeti író ezt javasolta az elsők között, "A művészek élete" című művében.) Azt is felvetették, hogy mosolya oka az volt, hogy terhes volt.

A művészettörténészek tudják Leonardo 1503-ban kezdte meg a "Mona Lisát", mivel abban az évben nyilvántartást készített egy magas rangú firenzei tisztviselő, Agostino Vespucci. Amikor végzett, kevésbé biztos. A Louvre eredetileg 1503-06-ra datálta a festményt, de a 2012-es felfedezések azt sugallják, hogy akár egy évtizeddel később, mielőtt elkészült volna, a háttér alapján egy olyan sziklarajz alapján, amelyet ismerten készített 1510-15.¹ A Louvre 2012 márciusában 1503-19-re módosította az időpontokat.

Forrás:
1. Mona Lisa egy évtizeddel később készülhetett el, mint azt a művészeti újságban gondolták, Martin Bailey, 2012. március 7. (hozzáférés: 2012. március 10.)

Híres festők: Monet Givernynél

Referencia fotók a festéshez: Monet "Kert Givernynél".

Ennek egyik oka az impresszionista festő, Claude Monet olyan híres, hogy a liliomastavak tükröződésének festményeit ő készítette a givernyi nagy kertben. Sok éven át inspirálta, egészen élete végéig. Ötleteket rajzolt a tavak ihlette festményekhez, és alkotott kis és nagy festményeket, mind egyedi alkotásokként, mind sorozatként.

Claude Monet aláírása

Ez a példa arra, hogy Monet hogyan írta alá festményeit, egyik tavirózsa-festményéből származik. Láthatja, hogy aláírta egy névvel és vezetéknévvel (Claude Monet) és az évszámmal (1904). A jobb alsó sarokban van, elég messze, így a keret nem vágja el.

Monet teljes neve Claude Oscar Monet volt.

"Impression Sunrise" - Monet

Monet ezen festménye adta a nevet a impresszionista stílus művészeti. 1874-ben állította ki Párizsban, az első impresszionista kiállítás néven.

Az "impresszionisták kiállítása" című kiállítás áttekintésében Louis Leroy művészetkritikus azt mondta:

"A tapéta embrionális állapotában sokkal készebb, mint a tengeri tájkép."

<sub>Forrás:
1. Louis Leroy "L'Exposition des Impressionnistes", Le Charivari, 1874. április 25., Párizs. Fordította: John Rewald in Az impresszionizmus történeteMoma, 1946, 256-61; idézi a Salon to Biennial: Kiállítások, amelyek művészettörténetet készítettek, Bruce Altshuler, Phaidon, 42–43.</sub>

"Szénaboglyák" sorozat - Monet

Monet gyakran festett ugyanabból a témából egy sorozatot, hogy megragadja a fény változó hatásait, a nap folyamán felcserélve a vásznakat.

Monet sok témát festett újra és újra, de sorozatfestményei mindegyikük más, akár egy tündérrózsa, akár egy szénakazal festménye. Mivel Monet festményei világszerte szétszórva találhatók, sorozatképeit általában csak különleges kiállításokon tekintik csoportnak. Szerencsére a Művészeti Intézet Chicagóban gyűjteményében több Monet szénakazal-festménye található, amelyek lenyűgözőek együtt megtekintés:

• Verem a búza
• Olvadás, naplemente
• Naplemente, hóhatás
• Hóhatás, borult nap
• Nyár vége

1890 októberében Monet levelet írt Gustave Geffroy műkritikusnak az általa festett szénakazal-sorozatról, és így szólt:

"Nehezen állok hozzá, makacsul dolgozom a különféle effektusok sorozatán, de az évnek ebben a szakaszában olyan gyorsan lemegy a nap, hogy lehetetlen vele lépést tartani... minél előrébb jutok, annál inkább látom, hogy rengeteg munkát kell elvégezni annak érdekében, hogy a keresett dolgomat meg lehessen jeleníteni: a „pillanatszerűség”, mindenekelőtt a „boríték”, ugyanaz a fény terjed mindenfelé... Egyre jobban megszállottja annak, hogy át kell adnom a tapasztalataimat, és azért imádkozom, hogy maradjon még néhány jó év rám, mert úgy gondolom, hogy előreléphetek ebben az irányban... " ¹

<sup>Forrás: ​
1. Monet maga, 172. o., szerkesztette: Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Tavirózsa" - Claude Monet

Claude Monet, "Tavirózsa" c. 19140-17, olaj, vászon. 65-es méret 3/8 x 56 hüvelyk (166,1 x 142,2 cm). Gyűjteményében San Francisco képzőművészeti múzeumok.

Monet talán az impresszionisták közül a leghíresebb, főleg a Giverny-kertben található liliomastó tükreinek festményei miatt. Ezen a festményen a jobb felső sarokban apró felhő látható, és az ég foltos kékje tükröződik a vízben.

Ha tanulmányozza Monet kertjének fényképeit, például Monet egyik liliom tavát és ezt a liliom virágát, és összehasonlítja őket ezzel a festménnyel, akkor megismerheti, hogy Monet hogyan csökkentette művészetének részleteit, beleértve csak a jelenet lényegét, vagy a visszaverődés, a víz és a liliom benyomását virág. Kattintson a fenti fotó alatt található "Teljes méret megtekintése" linkre egy nagyobb verzióhoz, amelyben könnyebb átérezni Monet ecsetelését.

Paul Claudel francia költő ezt mondta:

"A víznek köszönhetően [Monet] festője lett annak, amit nem láthatunk. Megcélozza azt a láthatatlan szellemi felületet, amely elválasztja a fényt a reflexiótól. Légies azúr a folyékony azúr fogságában... A felhők, a pezsgőfürdők színe a víz aljáról emelkedik. "

^Forrás:
Századunk művészete, Jean-Louis Ferrier és Yann Le Pichon

Camille Pissarro aláírása

Camille Pissarro festőművész általában kevésbé ismert, mint sok kortársa (például Monet), de egyedülálló helyet foglal el a művészet idővonalában. Impresszionistaként és neo-impresszionistaként egyaránt dolgozott, valamint olyan híres művészeket is befolyásolt, mint Cézanne, Van Gogh és Gauguin. Ő volt az egyetlen művész, aki mind a nyolcat kiállította Impresszionista kiállítások Párizsban 1874-1886 között.

Van Gogh önarckép (1886/1887)

Ez portré által Vincent van Gogh a Chicagói Művészeti Intézet gyűjteményében található. A pointillizmushoz hasonló stílusban festették, de nem ragaszkodik szigorúan csak a pontokhoz.

A Párizsban töltött két év alatt, 1886 és 1888 között Van Gogh 24 önarcképet festett. A Chicagói Művészeti Intézet ezt úgy írta le, hogy Seurat "dot technikáját" nem tudományos módszerként alkalmazzák, hanem "intenzívnek" érzelmi nyelv, "amelyben" a vörös és zöld pontok zavaróak, és teljesen megfelelnek a van Gogh tekintet. "

Néhány évvel később a nővérének, Wilhelminának írt levelében Van Gogh ezt írta:

"Két képet festettem magamról az utóbbi időben, amelyek közül az egyik szerintem inkább az igazi bár Hollandiában valószínűleg gúnyolódnának a portréfestéssel kapcsolatban csírázó elképzelések miatt itt... A fényképeket mindig utálatosnak tartom, és nem szeretem, ha azok körül vannak, főleg nem azok, akiket ismerek és szeretek... a fotóportrék sokkal hamarabb hervadnak, mint mi magunk, míg a festett portré egy olyan dolog, amelyet éreznek, szeretettel vagy az ábrázolt emberi lény iránti tisztelettel végeznek. "

Forrás:
Levél Wilhelmina van Goghhoz, 1889. szeptember 19

Vincent van Gogh aláírása

Az Éjszakai Kávézó Van Gogh most a Yale Egyetem Műcsarnokának gyűjteményében található. Köztudott, hogy Van Gogh csak azokat a festményeket írta alá, amelyekkel különösen meg volt elégedve, de a festmény esetében az a szokatlan, hogy aláírása alá címet adott: "Le café de Nuit".
Figyelem: Van Gogh festményeit egyszerűen "Vincent" -nek írta alá, nem "Vincent van Gogh" és "Van Gogh".

Theo testvérének 1888. március 24-én írt levelében azt mondta:

"A jövőben a nevemet fel kell venni a katalógusba, amikor aláírom a vászonra, nevezetesen Vincent és nem Van Gogh, azon egyszerű ok miatt, hogy nem tudják, hogyan ejtsék itt az utóbbi nevet."

"Itt" Arles, Franciaország déli részén.
Ha kíváncsi vagy, hogyan ejted Van Gogh-t, ne feledd, hogy ez egy holland vezetéknév, nem pedig francia vagy angol. Tehát a "Gogh" kiejtés, tehát rímel a skót "tóra". Ez nem "goff" és "nem megy".

A csillagos éj - ​​Vincent van Gogh

Ez a festmény, amely Vincent van Gogh talán leghíresebb festménye, a Modern Művészetek Múzeuma New York-ban.
Van Gogh festett A csillagos éjszaka 1889 júniusában, miután megemlítette a hajnalcsillagot Theo bátyjának, 1889. június 2. körül írt levelében: "Ma reggel sokáig napkelte előtt látta az országot az ablakomból, csak a hajnali csillag, amely nagyon nagynak tűnt. " (valójában a Vénusz bolygót, nem pedig csillagot) általában a nagy fehér színűnek tartják, amelyet a festés közepétől balra festettek.
Van Gogh korábbi levelei szintén megemlítik a csillagokat és az éjszakai égboltot, valamint a festés vágyát:

1. "Mikor juthatok el valaha a csillagos égig, arra a képre, ami mindig a fejemben van?" (Levél Emile Bernardhoz, 1888. június 18.)
2. "Ami a csillagos égboltot illeti, továbbra is nagyon remélem, hogy megfestem, és talán e napok egyikét is megteszem" (Levél Theo van Goghhoz, 1888. szeptember 26.).
3. "Jelenleg feltétlenül csillagos eget akarok festeni. Számomra gyakran úgy tűnik, hogy az éjszaka még mindig gazdagabb színű, mint a nap; a legintenzívebb ibolya, kék és zöld árnyalatai. Ha csak odafigyelsz rá, akkor meglátod, hogy bizonyos csillagok citromsárgák, mások rózsaszínűek vagy zöldek, kékek és ne felejts el ragyogni... nyilvánvaló, hogy a kék-fekete feketék kis fehér pontok elhelyezése nem elegendő a csillagos ég festéséhez. "(Levél Wilhelmina van Goghhoz, 1888. szeptember 16.)

A Sirene étterem, Asnieres - Vincent van Gogh

Vincent van Gogh festménye az Egyesült Királyságban, Oxfordban, az Ashmolean Múzeum gyűjteményében található. Van Gogh nem sokkal azután festette, hogy 1887-ben Párizsba érkezett, hogy Theo testvérével együtt Montmartre-ban éljen, ahol Theo egy művészeti galériát vezetett.
Vincent először az impresszionisták (különösen Monet) festményeinek tették ki, és olyan művészekkel találkozott, mint pl Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard és Pissarro. Korábbi munkájához képest, amelyet az észak-európai festőkre, például Rembrandtra jellemző sötét földszín uralta, ez a festmény megmutatja e művészek hatását rá.
Az általa használt színek világosodtak és felderültek, ecsetkezelése pedig lazábbá és nyilvánvalóbbá vált. Nézze meg ezeket a részleteket a festményből, és meglátja, hogyan használta a tiszta színű, különálló kicsi vonásokat. Nem keveri a színeket a vásznon, hanem hagyja, hogy ez a néző szemében megtörténjen. Kipróbálja a törött színű az impresszionisták megközelítése.
Későbbi festményeihez képest a színcsíkok egymástól el vannak helyezve, közöttük semleges háttér látható. Még nem fedi telített színnel a teljes vásznat, és nem használja ki az ecsetek használatának lehetőségeit textúra létrehozására magában a festékben.

A Sirene étterem, Asnieresben, Vincent van Gogh (Részlet)

Ezek a részletek Van Gogh A Restaurant de la Sirene című festményéből Asnieresben (az Ashmolean Múzeum gyűjteményében) megmutatják, hogyan az ecsetkészítésével és ecsetvonásaival kísérletezett, miután az impresszionisták és más kortárs párizsi festmények elé került művészek.

"Négy táncos" - Edgar Degas

Edgar Degas, Négy táncos, kb. 1899. Olajfestmény. Méret 59 1/2 x 71 hüvelyk (151,1 x 180,2 cm). Ban,-ben Nemzeti Galéria, Washington.

"A művész anyjának portréja" - Whistler

Ez valószínűleg Whistler leghíresebb festménye. Teljes címe: "Elrendezés szürke és fekete színben, 1. szám, a művész anyjának portréja". Édesanyja beleegyezett, hogy pózoljon a festményhez, amikor a Whistler által használt modell megbetegedett. Eleinte azt kérte tőle, hogy álljon pózolni, de amint láthatja, engedett és hagyta, hogy leüljön.
A falon Whistler rézkarca, a "Black Lion Wharf". Ha nagyon óvatosan nézi a bal felső sarokban lévő függönyt a rézkarc keretéből könnyebb foltot fog látni, ezt a pillangószimbólumot, amelyet Whistler festményeinek aláírásához használt. A szimbólum nem mindig volt ugyanaz, de megváltozott, és alakját használják a műalkotás dátumára. Ismert, hogy 1869-ig kezdte használni.

"Remény II" - Gustav Klimt

"Aki tudni akar rólam valamit - mint művész, az egyetlen figyelemre méltó dolog - annak alaposan meg kell néznie a képeimet, és meg kell próbálnia beléjük látni, hogy mi vagyok és mit akarok csinálni." Klimt.

Gustav Klimt festett Remélem II vásznon 1907/8-ban olajfestékek, arany és platina felhasználásával. 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 ") méretű. A festmény a Modern Művészetek Múzeuma New York-ban.
Remélem II gyönyörű példája Klimt aranylevelének használata a festményeknél és gazdag díszítő stílusa. Nézd meg, hogyan festette a fő alak viselt ruhadarabját, hogy ez egy elvont, körökkel díszített forma, mégis köpenyként vagy ruhaként „olvassuk”. Hogyan illeszkedik alul a három másik arcba.
Klimt illusztrált életrajzában Frank Whitford művészetkritikus azt mondta:

Klimt "valódi arany- és ezüstlevelet alkalmazott, hogy tovább fokozza azt a benyomást, hogy a festmény értékes tárgy, nem távoli tükör, amelyben a természet bepillanthat, hanem gondosan kidolgozott műtárgy. " ²

Ez egy szimbólum, amelyet napjainkban is érvényesnek tartanak, tekintve, hogy az aranyat továbbra is értékes árucikknek tekintik.
Klimt Bécsben élt Ausztriában, és inspirációit inkább keletről, mint nyugatról, "olyan forrásokból merítette, mint Bizánci művészet, mükéniai fémmegmunkálás, perzsa szőnyegek és miniatúrák, a ravennai templomok mozaikjai és japán képernyők. " ³
Forrás:
1. Művészek a kontextusban: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), hátlap.
2. Ugyanott. p82.
3. MoMA kiemeli (Modern Művészetek Múzeuma, New York, 2004), p. 54

Picasso aláírása

Ez az aláírása Picasso 1903-as festményén (kék korszakából) "Az abszint-ivó" címmel.
Picasso nevének különféle rövidített változataival kísérletezett, mint festményi aláírása, többek között kezdőbetűket karikázott be, mielőtt a "Pablo Picasso" -ra állt volna. Ma általában azt halljuk, hogy egyszerűen csak emlegetik - Picasso.

Teljes neve: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Forrás:
1. "A pusztítások összessége: Picasso kultúrái és a kubizmus megteremtése", írta Natasha Staller. Yale University Press. 209. oldal.</sub>

"Az abszint-ivó" - Picasso

Ezt a festményt Picasso készítette 1903-ban, a Kék periódus alatt (abban az időben, amikor Picasso festményein a kék árnyalatai uralkodtak; amikor huszonéves volt). Ebben szerepel Angel Fernandez de Soto művésznő, aki lelkesebben szórakozott a bulizásért és az ivásért, mint a festménye¹, és aki két alkalommal közös stúdiót osztott meg a barcelonai Picassóval.
A festményt 2010 júniusában bocsátotta árverésre az Andrew Lloyd Webber Alapítvány, miután az Egyesült Államokban peren kívüli egyezség született a tulajdonjogról, Paul von Mendelssohn-Bartholdy német-zsidó bankár leszármazottai azt állítják, hogy a festményt az 1930-as években a náci rendszer Németország.

<sub>Forrás:
1. Christie's aukciós ház sajtóközlemény, "Christie's Picasso Masterpiece", 2010. március 17.</sub>

"A tragédia" - Picasso

Pablo Picasso, A tragédia, 1903. Olaj a fán. Méret 41 7/16 x 27 3/16 hüvelyk (105,3 x 69 cm). Ban,-ben Nemzeti Galéria, Washington.

Kék periódusából származik, amikor festményei, amint a neve is mutatja, mind a kékek domináltak.

Picasso vázlata híres "Guernica" festményéhez

Miközben óriási Guernica festményét tervezte és dolgozott, Picasso számos vázlatot és tanulmányt készített. A fotón az egyik övé látható fogalmazás vázlatok, amelyek önmagában nem tűnnek soknak, összefirkált vonalak gyűjteménye.

Ahelyett, hogy megpróbálná megfejteni, mi lehet a különféle dolgok és hol vannak az utolsó festményen, gondoljon Picasso gyorsírásra. Egyszerű jelzés az agyában tartott képekért. Fókuszáljon arra, hogyan használja ezt annak eldöntésére, hol helyezze el az elemeket a festményen, az ezen elemek közötti kölcsönhatásra.

"Guernica" - Picasso

Ez a híres Picasso festmény hatalmas: 11 láb 6 hüvelyk magas és 25 láb 8 hüvelyk széles (3,5 x 7,76 méter). Picasso a spanyol pavilon megrendelésére festette az 1937-es párizsi világkiállításon. A Reina Sofia Múzeumban található, Madrid, Spanyolország.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso ezt a portréfestést 1901-ben, 20 éves korában készítette. Az alany egy katalán szabó, Mr. Minguell, akit úgy gondolják, hogy Picassót műkereskedője és barátja, Pedro Manach mutatta be¹. A stílus megmutatja Picasso képzettségét a hagyományos festészet terén, és azt, hogy festészeti stílusa milyen mértékben fejlődött karrierje során. Az, hogy papírra van festve, annak jele, hogy Picasso megtörésekor történt, még nem keresett annyi pénzt a művészetéből, hogy vászonra festené.

Picasso Minguellnek ajándékozta a festményt, de később visszavette, és 1973-ban meghaltakor még mindig megvolt. A festményt vászonra tették, és valószínűleg Picasso vezetésével "valamikor 1969 előtt" is helyreállították.², amikor Christian Zervos könyve számára fényképezték le a Picassóról.

Legközelebb azon vacsoraidőben vitatkozol, hogy az összes nem realista festő hogyan fest csak absztrakt, kubista, fauvista, impresszionista, válassza ki a stílusát, mert nem tudnak "igazi festményeket" készíteni, kérdezze meg az illetőt, hogy ebbe a kategóriába sorolja-e Picassót (a legtöbben teszik), majd említse meg ezt a festményt.

_{Forrás:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Részletek Impresszionista és modern művészeti akció 2010. június 22. (Hozzáférés: 2010. június 3.)}

"Dora Maar" vagy "Tête De Femme" - Picasso

Amikor 2008 júniusában aukción értékesítették, Picasso festményét 7 881 250 fontért (15 509 512 USD) adták el. Az aukciós becslés három-öt millió font volt.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Ezt a hatalmas (csaknem négyzetméteres) Picasso festményt a modern művészet valaha létrehozott egyik legfontosabb darabjának hirdetik, ha nem az ami a legfontosabb, egy döntő festmény a modern művészet fejlődésében. A festmény öt nőt ábrázol - prostituáltakat egy bordélyban -, de sok vita folyik arról, hogy mindez mit jelent, és minden benne lévő utalást és hatást.
Jonathan Jones műkritikus¹ azt mondja:

"Az, ami Picassót megdöbbentette az afrikai maszkokról [nyilvánvalóan a jobb oldali alakok arcán], az az volt legkézenfekvőbb dolog: hogy álcázzák, mássá változtatják - állattá, démongá, a Isten. A modernizmus maszkot viselő művészet. Nem mondja meg, hogy mit jelent; ez nem ablak, hanem fal. Picasso éppen azért választotta témáját, mert közhely volt: meg akarta mutatni, hogy a művészetben az eredetiség nem az elbeszélésben vagy az erkölcsben rejlik, hanem a formális találmányban. Ezért téves, ha a Les Demoiselles d'Avignont bordélyokról, prostituáltakról vagy gyarmatosításról szóló festményként tekintik.

Forrás:
1. Pablo's Punks Jonathan Jones, Az őrző, 2007. január 9.

"Nő gitárral" - Georges Braque

Georges Braque, Nő egy gitár, 1913. Olaj és szén, vászon. 51 1/4 x 28 3/4 hüvelyk (130 x 73 cm). A Musee National d'Art Moderne, Georges Pompidou központ, Párizs.

A Vörös Stúdió - Henri Matisse

Ez a festmény a Modern Művészetek Múzeuma (Moma) New York-ban. Matisse festészeti stúdiójának belsejét mutatja, lapított perspektívával vagy egyetlen képsíkkal. Stúdiójának falai valójában nem voltak pirosak, fehérek voltak; vöröset használt festményén a hatás érdekében.
Stúdiójában különféle műalkotások és stúdióbútorok láthatók. Stúdiójában a bútorok körvonalai a festék vonalai, amelyek alsó, sárga és kék rétegből árulkodnak a színről, nem a vörös tetejére vannak festve.

1. "A szögletes vonalak mélységet sugallnak, és az ablak kék-zöld fénye fokozza a belső tér érzékelését, de a vörös szín kiterjeszti a képet. Matisse fokozza ezt a hatást, például kihagyja a szoba sarkának függőleges vonalát. "
- MoMA Highlights, kiadó: Moma, 2004, 77. oldal.

2. "Az összes elem... elsüllyedt egyéni identitásuk abban, ami a művészet és az élet, a tér, az idő, az érzékelés és a valóság természetének hosszan tartó meditációjává vált... a nyugati festészet kereszteződése, ahol a múlt klasszikus kifelé néző, túlnyomórészt reprezentatív művészete találkozott a jövő ideiglenes, internalizált és önreferenciális etoszával... "
- Hilary Spurling,, 81. oldal.

A tánc - Henri Matisse

A legfelső fotó Matisse kész festményét mutatja A tánc, 1910-ben készült el, és jelenleg az Állami Ermitázs Múzeumban található Szentpéterváron, Oroszországban. Az alsó fényképen látható a teljes méretű, kompozíciós tanulmány, amelyet a festményhez készített, most MOMA New York-ban, USA-ban. Matisse az orosz műgyűjtő, Szergej Shchukin megrendelésére festette.
Hatalmas, csaknem négy méter széles és két és fél méter magas festmény (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), és három színre korlátozott palettával festették: piros, zöld és kék. Azt hiszem, ez egy olyan festmény, amely megmutatja, miért van Matisse ilyen színhírnévvel, különösen, ha összehasonlítja a tanulmányt a végső festménnyel az izzó alakjaival.
Matisse életrajzában (30. oldal) Hilary Spurling azt mondja:

"Azok, akik látták a Tánc sápadtnak, finomnak, sőt álomszerűnek írta le, fokozott színekre festve... a második változatban az élénkzöld és az égsávok ellen rezgő vermilion figurák heves, lapos frízévé. A kortársak pogánynak és dionüszosusnak tekintették a festményt. "

Figyeljük meg a lapos perspektívát, hogy az ábrák ugyanolyan méretűek, mint azok, amelyek távolabb vannak attól, hogy kisebbek legyenek, mint ami a reprezentációs festmények perspektívájában vagy előzetesében jelentkezne. Hogyan görbül a számok mögött a kék és a zöld közötti vonal, visszhangozva az alakok körét.

"A felület telítettségig színezett, egészen addig a pontig, ahol a kék, az abszolút kék gondolata végérvényesen jelen volt. Világos zöld a föld számára, és élénk vermilion a testeknek. Ezzel a három színnel megvolt a fény harmóniám és a hangszín tisztasága. "- Matisse

Forrás:
Greg Harris "Bevezetés az oroszokból kiállítás tanároknak és hallgatóknak", Királyi Művészeti Akadémia, London, 2008.

Híres festők: Willem de Kooning

Willem de Kooning festőművész Hollandiában, Rotterdamban született 1904. augusztus 24-én, és a New York-i Long Islanden hunyt el 1997. március 19-én. De Kooning 12 éves korában tanult a kereskedelmi művészeti és díszítőipari szakmában, és nyolc évig járt esti órákon a Rotterdami Képzőművészeti és Műszaki Akadémián. 1926-ban emigrált az USA-ba, és 1936-ban kezdett teljes munkaidőben festeni.

De Kooning festészeti stílusa az absztrakt expresszionizmus volt. Első önálló kiállítása 1948-ban volt a New York-i Charles Egan Galériában, fekete-fehér zománcfestékkel. (Elkezdte a zománcfesték használatát, mivel nem engedhette meg magának a művész pigmentjeit.) Az 1950-es évekre már ismerték az absztrakt expresszionizmus egyik vezetője, bár a stílus egyes puristái azt gondolták, hogy festményei (mint pl övé Nő sorozat) túl sok emberi formát tartalmaz.

Festményei sok réteget tartalmaznak, elemek átfedésben és elrejtésben vannak, amikor egy festményt átdolgozott és átdolgozott. A változtatások megmutathatók. A vásznain szénen alaposan rajzolt, a kezdeti kompozícióhoz és a festéshez. Ecsetkezése gesztusos, kifejező, vad, a vonások mögött energiaérzet áll rendelkezésre. Az utolsó festmények pillantást vetettek, de nem sikerültek.

De Kooning művészi teljesítménye csaknem hét évtizedig terjedt, és festményeket, szobrokat, rajzokat és nyomatokat tartalmazott. Végső festményei Forrás az 1980-as évek végén. Leghíresebb festményei Rózsaszín angyalok (c. 1945), Ásatás (1950), és harmadik Nő sorozat (1950–53) festői stílusban és improvizatívabb megközelítésben készült. Az 1940-es években egyszerre dolgozott absztrakt és reprezentációs stílusban. Áttörését az 1948–49-es fekete-fehér absztrakt kompozíciók jelentették. Az 1950-es évek közepén festette a városi absztrakciókat, visszatérve az 1960-as évek figurálásához, majd az 1970-es évek nagy gesztusabsztrakcióihoz. Az 1980-as években de Kooning sima felületekre váltott, élénk, átlátszó színekkel üvegezve, a gesztusrajzok töredékei felett.

Amerikai gótika - Grant Wood

Amerikai gótika valószínűleg a leghíresebb az összes festmény, amelyet Grant Wood amerikai művész valaha készített. Most a Chicagói Művészeti Intézetben van.

Grant Wood 1930-ban festette az "amerikai gótikát". Egy férfit és lányát ábrázolja (nem a feleségét¹) álltak a házuk előtt. Grant az iowai Eldonban látta az épületet, amely ihlette a festményt. Az építészeti stílus amerikai gótikus, itt kapta a festmény a címét. A festmény modelljei Wood húga és fogorvosuk voltak.². A festmény az alsó szél közelében, a férfi kezeslábason van aláírva a művész nevével és évszámával (Grant Wood 1930).

Mit jelent a festmény? Wood a középnyugat-amerikaiak jellemének méltó módon való megismételésének szánta, megmutatva puritán etikájukat. De a vidéki lakosság kívülállókkal szembeni intoleranciájával kapcsolatos megjegyzésnek (szatírának) tekinthető. A festmény szimbolikája magában foglalja a fáradságos munkát (a szurokfa) és a háziasságot (virágcserepek és gyarmati nyomtatású kötény). Ha alaposan megnézed, látni fogod, hogy a szurokhegy három ága visszhangzik a férfi varrása varrásában, és folytatja az ingén lévő csíkokat.

^{Forrás:
Amerikai gótika, Chicagói Művészeti Intézet, letöltve: 2011. március 23.}

"Keresztes Szent János Krisztus" - Salvador Dali

Ez a festmény Salvador Dali gyűjteménye található Kelvingrove Művészeti Galéria és Múzeum a skóciai Glasgow-ban. Először 1952. június 23-án mutatkozott be a galériában. A festményt 8200 fontért vásárolták meg, ami magas árnak számított, annak ellenére, hogy tartalmazta a szerzői jogokat, amelyek lehetővé tették a galéria számára a sokszorosítási díjak keresését (és számtalan képeslap eladását!).
Szokatlan volt, hogy Dali egy festmény szerzői jogait eladta, de szüksége volt a pénzre. (A szerzői jogok az előadónál maradnak, hacsak nem írják alá, lásd Az előadó szerzői jogi GYIK.)

"Látszólag pénzügyi nehézségekkel küzdő Dali kezdetben 12 000 fontot kért, de némi kemény alkudozás után... csaknem harmadával olcsóbban adta el, és 1952-ben levelet írt alá [Glasgow] városának, amelyben átengedte a szerzői jogokat.

A festmény címe utal arra a rajzra, amely Dalit inspirálta. A toll- és tintarajzolás egy olyan látomás után készült, amelyet Keresztes Szent János (spanyol karmelita barát, 1542–1591) látott, amelyben Krisztus keresztre feszítését úgy látta, mintha felülről nézne rá. A kompozíció szembeszökő Krisztus keresztre feszítésének szokatlan nézőpontja miatt, a világítás drámai módon erősen dob árnyékok, és nagyszerű felhasználása előrövidítés ábrán. A festmény alján fekvő táj Dali szülővárosának, a spanyolországi Port Lligat kikötője.
A festmény sok szempontból ellentmondásos: az összeget, amelyet fizettek érte; a tárgy; a stílus (ami inkább retro, mint modernnek tűnt). További információ a festményről a galéria honlapján található.

Forrás:
"A Dali Képek szürreális esete és a művészi licenc elleni csata"Severin Carrell, Az őrző, 2009. január 27

Campbell leveskannái - Andy Warhol

Andy Warhol részlete Campbell leveskannái. Akril, vászon. 32 festmény, mindegyik 20x16 "(50,8x40,6cm). Gyűjteményében Modern Művészetek Múzeuma (MoMA) New York-ban.
Warhol először 1962-ben állította ki Campbell leveskannás festményeinek sorozatát, amelynek minden festménye úgy alszik a polcon, mint egy doboz a szupermarketben. A sorozatban 32 festmény található, a levesfajták száma abban az időben a Campbell's által eladott.
Ha elképzelte, hogy Warhol a kamráját levesdobozokkal tölti fel, akkor egy konzervet eszik, amint befejezte a festést, úgy tűnik, nem az. A Moma honlapja szerint Warhol a Campbell's terméklistáját használta, hogy minden festményhez más és más ízt rendeljen.
Amikor erről kérdezték, Warhol azt mondta:

"Korábban ittam. Mindennap ugyanazt az ebédet szoktam fogyasztani, gondolom, húsz évig, ugyanazt a dolgot újra és újra. "¹

Warholnak nyilvánvalóan nem volt olyan megrendelése, hogy a festményeket ki akarná mutatni. Moma a festményeket "olyan sorokban jeleníti meg, amelyek a [levesek] bevezetésének időrendjét tükrözik, a bal felső sarokban lévő" Paradicsommal "kezdve, amely 1897-ben debütált."

Tehát ha fest egy sorozatot, és azt szeretné, hogy egy adott sorrendben jelenjenek meg, akkor mindenképpen jegyezze fel ezt valahol. A vásznak hátsó széle valószínűleg a legjobb, mivel akkor nem válik el a festménytől (bár elrejtődhet, ha a képeket keretbe foglalják).
Warhol olyan művész, akit festők gyakran emlegetnek, akik származtatott műveket akarnak készíteni. Két dolgot érdemes megjegyezni, mielőtt hasonló dolgokat végeznénk:

1. Tovább Moma honlapja, ott van a Campbell's Soup Co licencének megjelölése (azaz a levestársaság és a művész birtoka közötti licencszerződés).
2. Úgy tűnik, hogy a szerzői jogok érvényesítése Warhol korában kevésbé volt kérdés. Ne tételezzen szerzői jogi feltételezéseket Warhol munkája alapján. Végezze el a kutatását, és döntse el, hogy milyen aggodalommal tölti el egy esetleges szerzői jogi megsértési esetet.

Campbell nem bízta meg Warholt a festmények elkészítésével (bár később 1964-ben megbíztak egyet a nyugdíjas igazgatótanács elnökével), és aggodalmak voltak, amikor a márka 1962-ben megjelent Warhol festményein, kiváró megközelítést alkalmazva annak megítélésére, hogy mi volt a válasz a festmények. 2004-ben, 2006-ban és 2012-ben a Campbell speciális Warhol-emlékcímkékkel ellátott edényeket adott el.

<sub>Forrás:
1. Amint azt idézzük Moma, megtekintve 2012. augusztus 31.</sub>

Nagyobb fák Warter közelében - David Hockney

Felső: David Hockney művész „A nagyobb fák Warter közelében” című olajfestményének egy része mellett áll, amelyet 2008 áprilisában a Tate Britain-nak ajándékozott.
Alsó: A festményt először a 2007-es nyári kiállításon állították ki a londoni Királyi Akadémián, az egész falon.
David Hockney olajfestménye "Nagyobb fák Warter közelében" (más néven: Peinture en Plein Air a Post-Photographique-hoz) egy jelenetet ábrázol a yorkshire-i Bridlington közelében. A festmény 50 vászonból készült, egymás mellé rendezve. Összeadva a festmény teljes mérete 40x15 láb (4,6x12 méter).
Abban az időben, amikor Hockney lefestette, ez volt a legnagyobb darab, amelyet valaha elkészített, bár nem ez volt az első, amelyet több vászon felhasználásával készített.

" Ezt azért tettem, mert rájöttem, hogy létra nélkül is meg tudom csinálni. Amikor festesz, vissza kell tudnod lépni. Nos, vannak olyan művészek, akiket létráról hátralépve öltek meg, nem?"
- idézte Hockney a Reuter híradás, 2008. április 7.

Hockney rajzokkal és számítógéppel segítette a kompozíciót és a festést. Miután egy szakasz elkészült, készült egy fénykép, hogy a számítógépen láthassa az egész festményt.

"Először Hockney rajzolt egy rácsot, amely megmutatta, hogy a jelenet hogyan illeszkedik egymáshoz 50 panel fölött. Aztán elkezdett dolgozni az egyes paneleken in situ. Amint rajtuk dolgozott, lefényképezték őket, és számítógépes mozaikokká tették őket, hogy ábrázolhassa fejlődését, mivel egyszerre csak hat panel lehetett a falon. "

Forrás:
Charlotte Higgins, Gyám művészeti tudósító, Hockney hatalmas munkát adományoz Tate-nek, 2008. április 7.

Henry Moore háborús festményei

A Henry Moore kiállítás A londoni Tate Britain Galéria 2010. február 24-től augusztus 8-ig tartott.

Henry Moore brit művész leghíresebb szobrairól, de festékéről, viaszáról és akvarell festmények a londoni metróállomásokon menedékhelyről a második világháború idején. Moore hivatalos háborús művész volt, és 2010-ben Henry Moore kiállítás a Tate Britain Galériában van ezeknek szentelt szoba. 1940 ősze és 1941 nyara között készült, alvó alakok ábrázolásai a vonatban szorongtak az alagutak elkapták a gyötrelem érzését, amely megváltoztatta hírnevét és befolyásolta a Blitz. Az 1950-es évek munkája tükrözte a háború következményeit és a további konfliktusok kilátásait.
Moore Yorkshire-ben született és a Leedsi Művészeti Iskolában tanult 1919-ben, miután az első világháborúban szolgált. 1921-ben ösztöndíjat nyert a londoni Royal College-ban. Később a Királyi Főiskolán, valamint a Chelsea Művészeti Iskolában tanított. 1940-től Moore Perry Green-ben élt Hertfordshire-ben, ahol ma a Henry Moore Alapítvány. Az 1948-as velencei biennálén Moore elnyerte a Nemzetközi Szobrász Díjat.

"Frank" - Chuck Close

Chuck Close "Frank", 1969. Akril, vászon. Méret: 108 x 84 x 3 hüvelyk (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Ban,-ben Minneapolisi Művészeti Intézet.

Lucian Freud önarckép és fotóportré

A művész Lucian Freud híres intenzív, könyörtelen tekintetéről, de amint ez az önarckép mutatja, önmagára fordítja, nemcsak a modelljeire.

1. "Azt hiszem, egy nagyszerű portré a... az érzés és az egyéniség, a tekintet intenzitása és a konkrétra való összpontosítás. ¹
2. "... meg kell próbálnod festeni magad más emberként. Önarcképeknél a "hasonlóság" más dologgá válik. Meg kell tennem, amit érzek, anélkül, hogy expresszionista legyek. " ²

<sup>Forrás:
1. Lucian Freud, idézi a Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freudot idézi Lucian Freudban, William Feaver (Tate Publishing, London, 2002), 43. o.</sup>

"Mona Lisa apja" - Man Ray

Man Ray "Mona Lisa apja", 1967. Farostlemezre szerelt rajz sokszorosítása szivarral kiegészítve. Méret 18 x 13 5/8 x 2 5/8 hüvelyk (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Gyűjteményében Hirshorn Múzeum.
Sok ember csak a fényképezéssel társítja Man Ray-t, de művész és festő is volt. Barátságban volt Marcel Duchamp művésznővel, és vele együttműködve dolgozott.
1999 májusában Art News magazin felvette Man Rayt a 20. század 25 legbefolyásosabb művészének listájába fotózásáért és "filmek, festmények, szobrok, kollázsok, összeállítások feltárásáért". Ezeket a prototípusokat végül performance művészetnek és konceptuális művészetnek neveznénk. "

Az Art News elmondta:

"Man Ray minden médiában művészeknek kínált egy példát a kreatív intelligenciára, amely" az öröm és a szabadság elérése érdekében "[Man Ray kijelentette, alapelvek] kinyitotta minden ajtót, ahová érkezett, és szabadon járt, ahol akart. "(Idézet forrása: Art News, 1999. május," Willful Provocateur ", AD Coleman.)

Ez a darab "Mona Lisa apja" bemutatja, hogy egy viszonylag egyszerű ötlet hogyan lehet eredményes. A nehéz rész elsősorban az ötlet előállítása; néha inspirációként érkeznek; néha az ötletek ötletelésének részeként; néha egy koncepció vagy gondolat kidolgozásával és követésével.

Híres festők: Yves Klein

Visszatekintő: Yves Klein kiállítás a washingtoni Hirshhorn Múzeumban, USA-ban, 2010. május 20. és szeptember 12. között.

Yves Klein művész valószínűleg legismertebb monokróm műveiről, amelyek különleges kékjét mutatják be (lásd például az "Élő ecsetet"). Az IKB vagy az International Klein Blue egy ultramarin kék, amelyet megfogalmazott.

A magát "a tér festőjének" nevező "Klein" az anyagtalan szellemiséget tiszta színen keresztül kívánta elérni ", és foglalkozott a" művészet fogalmi természetének korabeli elképzeléseivel ".¹.

Klein viszonylag rövid, kevesebb mint tíz évig tartó karriert futott be. Első közéleti munkája művészkönyv volt Yves Peintures ("Yves-festmények"), 1954-ben jelent meg. Első nyilvános kiállítása 1955-ben volt. Szívrohamban halt meg 1962-ben, 34 éves. (Klein életének ütemterve tól Yves Klein Archívum.)

<sub>Forrás:
1. Yves Klein: Az Ürességgel, teljes erőkkel, Hirshhorn Múzeum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, hozzáférés: 2010. május 13.</sub>

"Élő ecset" - Yves Klein

Ez a francia művész festménye Yves Klein (1928-1962) egyike annak a sorozatnak, amelyet "élő ecsetekkel" használt. Meztelen női modelleket borított aláíráskék festékével (International Klein Blue, IKB), majd egy előadóművészeti alkotásban a közönség előtt "festett" velük nagy papírlapokra irányításukkal. szóban.
Az "ANT154" cím egy műkritikus, Pierre Restany megjegyzéséből származik a "kék kor antropometriájaként" készített festmények. Klein az ANT rövidítést sorozatként használta cím.

Fekete festmény - Ad Reinhardt

"Valami baj van, felelőtlen és esztelen a színben; valami lehetetlen irányítani. Az irányítás és az ésszerűség az erkölcsöm része. " - Ad Reinhard 1960-ban ¹

Ad Reinhardt (1913-1967) amerikai művésznek ez a monokróm festménye a New York-i Modern Művészetek Múzeumában (Moma) található. 60x60 "(152,4x152,4cm), olaj, vászon, és 1960-61. Reinhardt az elmúlt évtizedben és egy kis életében (1967-ben halt meg) festékén csak feketét használt.
Amy Sia, aki a fényképet készítette, azt mondja, hogy az ajtónálló rámutat arra, hogy a festmény hogyan oszlik fel kilenc négyzetre, mindegyik más-más fekete árnyalattal.
Ne aggódjon, ha nem látja a fotón. Még a festmény előtt is nehéz látni. Benne esszé Reinhardtról a Guggenheim esetében Nancy Spector úgy írja le Reinhardt vásznát, hogy "alig látható fekete négyzetek, amelyek alig észrevehető keresztformákat tartalmaznak, amelyek megkérdőjelezik a láthatóság határait" ².
<sup>Forrás:
1. Szín a művészetben John Gage, 205. o
2. Reinhardt, Nancy Spector, Guggenheim Múzeum (Hozzáférés: 2013. augusztus 5.)</sup>

John Virtue londoni festménye

John Virtue brit művész 1978 óta csak fekete-fehér festett tájakat. A Londoni Nemzeti Galéria által készített DVD-n a Virtue szerint a fekete-fehérben végzett munka arra kényszeríti, hogy "találékony legyen... feltalálja". A rágószín "elmélyül hogy milyen színű van… annak az értelme, amit látok… a legjobb, pontosabban és jobban átadja, ha nincs olajpaletta festék. A szín zsákutca lenne. "
Ez John Virtue egyik londoni festménye, amelyet a Nemzeti Galéria társművészeként készített (2003 és 2005 között). A Nemzeti Galéria honlapja leírja, hogy az erény festményei "affinitásokkal rendelkeznek a keleti ecsetfestéssel és az amerikai absztrakt expresszionizmussal", és szorosan kapcsolódnak "a nagy angolhoz". tájfestők, Turner és Constable, akiket az erény hatalmasan csodál, valamint hogy hatással vannak Ruisdael, Koninck és Holland holland és flamand tájaira. Rubens ".
Az erény nem címet ad festményeinek, csak számokat. A 2005 áprilisában megjelent interjúban Művészek és illusztrátorok magazinban az Erény azt állítja, hogy munkáját időrendi sorrendben kezdte megszámolni 1978-ban, amikor monokróm módon kezdett dolgozni:

"Nincs hierarchia. Nem számít, hogy 28 láb vagy három hüvelyk. Ez egy nem verbális napló a létezésemről. "

Festményeit csupán "45-ös tájnak" vagy "630-as tájnak" hívják stb.

Az Art Bin - Michael Landy

Michael Landy művész Art Bin kiállítására került sor a Dél-londoni galéria 2010. január 29. és március 14. között. A koncepció óriási (600m³) a galéria helyiségébe épített hulladéktároló, amelyben a művészetet kidobják, "a kreatív kudarc emlékműve"¹.
De nem akármilyen régi művészet; jelentkeznie kellett, hogy műveit online vagy a galériában dobja a szemetesbe, Michael Landy vagy egyik képviselője döntése mellett, hogy szerepelhet-e benne vagy sem. Ha elfogadják, az egyik végén lévő toronyból dobták a kukába.

Amikor a kiállításon voltam, több darabot dobtak be, és a dobálást végző személynek volt rengeteg gyakorlat abból a szempontból, ahogyan az egyik festmény siklik a kép másik oldalára tartály.
A művészetértelmezés azon az úton halad, amikor / miért tekintik a művészetet jónak (vagy szemétnek), a szubjektivitást az a művészetnek tulajdonított érték, a műgyűjtés, a műgyűjtők és a galériák ereje a művészek elkészítésére vagy megtörésére karrier.

Minden bizonnyal érdekes volt végigjárni az oldalakat, és megnézni, mit dobtak be, mi tört el (sok polisztirol darab) és mi nem (a vászonra festett festmények többsége egész volt). Valahol az alján ott volt egy nagy koponyanyomás, amelyet Damien Hirst üveggel és Tracey Emin darabjával díszítettek. Végül a lehetséges újrahasznosításra kerülne (például papír- és vászonfeszítők), a többit pedig hulladéklerakókba szánnák. Szemétként eltemetve, valószínűleg nem évszázadok múlva ássák el a régészek.

_{Forrás:
1&2. # Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), a South London Gallery webhelye, hozzáférés 2010. március 13.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Ezt az amerikai politikus, Barack Obama festményt, vegyes technika segítségével sablonos kollázs, Los Angeles-i utcai művész készítette, Shepard Fairey. Ez volt Obama 2008-as elnökválasztási kampányában használt központi portrékép, amelyet korlátozott kiadású nyomtatott formában és ingyenesen letöltött formában terjesztettek. Most a washingtoni Nemzeti Portré Galériában található.

1. "Obama-plakátjának elkészítéséhez (amit kevesebb mint egy hét alatt készített el) Fairey lekapta az internetről a jelölt hírfotóját. Elnöki kinézetű Obamát keresett... Ezután a művész egyszerűsítette a vonalakat és a geometriát, piros, fehér és kék hazafias palettát alkalmazva (amellyel játszik, hogy a fehér bézs, a kék pasztell árnyalatú lesz)... félkövér szavak ...
2. "Obama plakátjai (és sok kereskedelmi és képzőművészeti alkotása) a forradalmi propagandisták - az élénk színek, merész betűk, geometriai egyszerűség, hősies pózok. "

Forrás: ​
"Obama jóváhagyása a falon" írta: William Booth, washingtoni posta 2008. május 18.

"Rekviem, fehér rózsák és pillangók" - Damien Hirst

Damien Hirst brit művész a legismertebb formaldehidben tartósított állatairól, de a 40-es évek elején visszatért az olajfestményhez. 2009 októberében 2006 és 2008 között készített festményeket állított ki először Londonban. Ez a példa egy híres művész még nem híres festményére az övétől származik kiállítás a londoni Wallace Gyűjteményben "No Love Lost" címmel. (Időpont: 2009. október 12. és 2010. január 24.)
BBC hírek - idézte Hirst mondását.

"Most már csak kézzel fest", hogy két évig a "festményei kínosak voltak, és nem akartam bárki, aki bejön. "és hogy" kamaszkori művészete óta először újra meg kellett tanulnia festeni diák."¹

A Wallace kiállítást kísérő sajtóközlemény szerint:

"A" kék festmények "merész új irányt mutatnak munkájában; festménysorozat, amely a művész szavai szerint "mélyen kapcsolódik a múlthoz".

A festék vászonra helyezése minden bizonnyal új irányt jelent Hirst számára, és ahol Hirst megy, valószínűleg a művészethallgatók is követni fogják. Az olajfestmény ismét divatossá válhat.
Az About.com londoni utazási útmutatója, Laura Porter, eljutott Hirst kiállításának sajtóbemutatójába, és választ kapott arra az egyetlen kérdésre, amelyet nagyon szerettem volna tudni: Milyen kék pigmenteket használt?

Laurának azt mondták, hogy "porosz kék mindenki számára, kivéve a 25 festmény egyikét, amely fekete. "Nem csoda, hogy ez ilyen sötét, parázsló kék!
Artian kritikusa, Adrian Searle Az őrző nem volt túl kedvező Hirst festményeivel kapcsolatban:

"A legrosszabb esetben Hirst rajza csak amatőrnek és kamasznak tűnik. Keféjéből hiányzik az óhaj és a pánik, ami miatt elhiteti a festő hazugságaival. Még nem tudja levinni. "²

<sub>Forrás:
1 Hirst "Pácolt állatokat ad fel", BBC News, 2009. október 1
2. "Damien Hirst festményei halálosan unalmasak"Adrian Searle, Gyám, 2009. október 14.</sub>

Híres művészek: Antony Gormley

Antony Gormley brit művész talán a leghíresebb az Északi angyal című szobráról, amelyet 1998-ban mutattak be. Az északkelet-angliai Tyneside-ben áll, egy olyan helyen, amely valamikor kollégium volt, és 54 méter széles szárnyaival fogadja Önt.
2009 júliusában Gormley installációs műve a londoni Trafalgar tér negyedik lábazatán látta, hogy egy önkéntes 100 napig egy órát állt a lábazaton, a nap 24 órájában. A Trafalgar téri többi lábazattal ellentétben, a Nemzeti Galéria előtt álló negyedik lábazaton nincs állandó szobor. A résztvevők egy része maga is művész volt, és felvázolta szokatlan nézőpontját (fotó).
Antony Gormley 1950-ben született Londonban. Tanult az Egyesült Királyság különböző főiskoláin, valamint a buddhizmuson Indiában és Srí Lankán, majd 1977 és 1979 között a londoni Slade Művészeti Iskolában a szobrászattal foglalkozott. Első önálló kiállítása a Whitechapel Műcsarnokban volt 1981-ben. 1994-ben Gormley elnyerte a Turner-díjat a "Field for the British Isles" című filmjével.
Életrajza rajta weboldal azt mondja:

... Antony Gormley a test mint emlékezet és átalakulás helyének radikális vizsgálata révén újjáélesztette a szobrászatban az emberi képet, saját testét használva alanyként, eszközként és anyagként. 1990 óta az emberi állapottal foglalkozik a kollektív test, valamint az én és más viszonyának feltárásával nagyszabású installációkban.

Gormley nem azért alakítja ki a figurát, mint ő, mert nem tud hagyományos stílusú szobrokat készíteni. Inkább örömet okoz a különbségnek és annak a képességüknek, hogy ezeket értelmezhetjük. - nak adott interjúban Az idők¹, ő mondta:

"A hagyományos szobrok nem a potenciálról szólnak, hanem valamiről, ami már kész. Erkölcsi tekintélyük van, amely inkább elnyomó, mint együttműködő. Munkáim elismerik ürességüket. "

^{Forrás:
Antony Gormley, az ember, aki megtörte a penészt, John-Paul Flintoff, The Times, 2008. március 2.}

Híres kortárs brit festők

Balról jobbra Bob és Roberta Smith, Bill Woodrow művészek, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeés Alison Watt.
Az alkalom a festmény megtekintése volt Diana és Actaeon Titian (láthatatlan, balra) a londoni Nemzeti Galériában, azzal a céllal, hogy forrásokat gyűjtsön a festmény galéria megvásárlásához.

Híres művészek: Lee Krasner és Jackson Pollock

E két festő közül Jackson Pollock híresebb, mint Lee Krasner, de művészi munkájának támogatása és népszerűsítése nélkül nem biztos, hogy neki lenne a helye a művészet idővonalában. Mindkettő absztrakt expresszionista stílusban festett. Krasner önmagában küzdött a kritikusok elismeréséért, ahelyett, hogy pusztán Pollock feleségének tekintenék. Krasner örökséget hagyott a Pollock-Krasner Alapítvány, amely támogatást nyújt a képzőművészeknek.

Louis Aston Knight létra festőállványa

Louis Aston Knight (1873–1948) párizsi születésű amerikai művész, tájfestményeiről ismert. Eleinte művészapja, Daniel Ridgway Knight irányítása alatt végzett. 1894-ben állított ki először a Francia Szalonban, és egész életében folytatta ezt, miközben Amerikában is elismerést nyert. Festménye Az utánvilágítás 1922-ben Warren Harding amerikai elnök vásárolta meg a Fehér Ház számára.
Ez a fotó a American Art Archívumsajnos nem ad nekünk helyet, de gondolkodnia kell abban, hogy bármelyik művész hajlandó elgázolni a víz festőállvány-létrájával és festékeivel vagy nagyon elkötelezte magát a természet megfigyelésére, vagy pedig a showman.

1897: Női művészeti osztály

Ez a fénykép 1897-ből a American Art Archívum női művészeti órát mutat be William Merritt Chase oktatóval. Abban a korszakban a férfiak és a nők külön jártak művészeti órákra, ahol az idők miatt a nőknek volt olyan szerencséjük, hogy egyáltalán művészeti oktatásban részesülhettek.

Művészeti Nyári Iskola 1900 körül

A St Paul Képzőművészeti Iskola nyári osztályainak, Mendotában (Minnesota) művészeti hallgatóit 1900 körül fényképezték le Burt Harwood tanárnővel.
A divatot leszámítva a nagy napsugarak nagyon praktikusak festés a szabadban mivel tartja a napot a szemedtől, és megakadályozza az arcod leégését (akárcsak egy hosszú ujjú felső).

"Nelson hajója egy üvegben" - Yinka Shonibar

Néha ez egy műalkotás skálája, amely drámai hatást kölcsönöz neki, sokkal több, mint a téma. Ilyen darab Yinka Shonibar "Nelson hajója egy üvegben".

Yinka Shonibar "Nelson's Ship in a Bottle" egy 2,35 méter magas hajó, még magasabb palack belsejében. Nelson viceadmirális zászlóshajójának, a HMS-nek 1:29 arányú mása Győzelem.
"Nelson hajója egy palackban" 2010. május 24-én jelent meg a londoni Trafalgar Square negyedik lábazatán. A negyedik lábazat üresen állt 1841-től 1999-ig, amikor a kortárs műalkotások sorozata az első, amelyet a Negyedik lábazati üzembe helyezési csoport.
A "Nelson hajója egy palackban" című alkotás Antony Gormley One & Other című alkotása volt, amelyben egy másik személy egy napig, egész nap éjjel, 100 napig állt a lábazaton.
2005 és 2007 között Marc Quinn szobrát láthatta, Alison Lapper terhes, és 2007 novemberétől Thomas Schutte modellje volt a szálloda 2007-ben.
A "Nelson-féle hajó egy üvegben" vitorláján található batikolt mintákat a művész kézzel festette vászonra, ihlette az afrikai szövet és annak története. Az üveg 5x2,8 méter, nem üvegből készült, hanem üveg, és a palack nyílása elég nagy ahhoz, hogy felmásszon a hajó elkészítéséhez.